ポール・シニャックの水彩画に学ぶ

　サン＝トロペ、港　　　1920年頃　　ペン、褐色インク淡彩　32.8×42.8cm

2002年6月に山梨県立美術館で開催された「シニャック　　海に吹く東風　水彩に見る新印象派」展を見る機会があった。シニャックの水彩画については、以前にゴッホ展の図録の中に収められているものを見たことがあった。

しかし、90点以上にのぼる水彩画の作品を一堂にしてみる機会は、滅多に無いのではないか。シニャックの水彩は、そのタッチと色彩の明るさに特別なものを感じる。あまり、国内では、見る機会が少ないのが残念である。

点描に拠る油彩画は有名であるが、彼の水彩画は、あまり知られていないのではないか。

この年の夏、彼の「展覧会図録」をもとにして、水彩画作品の模写をやってみた。上の作品には、褐色インク淡彩となっているが、当初、その意味が分からずに、現在手に入る褐色形のインクを使い、筆ペンで描いてみたが、今にして思うと、インクで線描した後、それを水筆のようなもので暈すという技法を使っているように思う。

下の模写は、インクとペンで描いた後に、水彩絵の具の褐色を使って彩色したもので、シニャックの描いた技法とは、違っているのが分かる。しかし、褐色だけの明暗で、描き分けようとしていることには、ちがいない。

いずれにしても、限られた色彩（褐色）で、その明暗だけで、対象とするものを描き分け、そうした水彩画をもとに油彩画を制作していたようだ。ただ、他の画家と違うのは、シニャックの場合は、そのようにして描いた水彩スケッチも、一つの水彩画として評価されていることである。そこに、かれの水彩画にかける可能性と魅力が隠されているように思う。

「サン＝トロペ　港」の模写　　　　ペン、褐色インク、透明水彩　　16×21.5cm

パレットの上での混色を避け、隣り合う色彩の響き合いによる色彩表現を使ったことは、彼が点描という技法を取り入れた画家であったことから肯けるが、油彩による点描表現以上に、水彩におけるそれが、遺憾なく発揮されていたことが、その作品からはっきりと読み取れる。

今、改めて、シニャックの水彩画に学ぶところが多いことを感じている。

色数を抑えて表現する

対象となる「風景」を見て、極力、色数を抑えて表現する練習をしてみた。

魅力ある風景を前にすると、どうしてもその色彩の方にに目を奪われがちになる。とりわけ、刺激的な色合いが見えてくると、その色に引っ張られて惑わされてしまうことがある。四季の中でも、紅葉の季節は、苦手である。あの鮮やかな黄やオレンジ、紅色など、うまく描き表わせなくて、秋のシーズン、紅葉は、描かないようにしてきた。

ここでは、あえて、色数を抑えて書き表す練習をしてみたいと考えた。ヴェネツィアの風景は、どこを見ても絵にしたいと思う所ばかりで、その雰囲気に圧倒されてしまうが、運河の見える風景を、心しずかに眺めながら、色彩よりも、明暗に中心をおいて捉えなおしてみることにした。

「ヴェネツィアンレッド」「イエローオーカー」「ペインズグレイ」の３色だけを使い、もっとも明るい部分から、最も暗い部分まで、およそ５段階ぐらいに明暗をわけ、３色の混合と、「重ね塗り」の技法を使いながらかきあげたのが、上の作品（Ｆ６）です。

仕上げてみると、もう少し暗部の色味を強調した方が良かったかにもみえるが、習作としては、これからの課題が見えたようにも思う。「バーントアンバー」１色にして、明暗だけでかきわける事もためしてみたいと感じた。褐色系の色彩での表現としては、「ポール・シニャック」による素描作品が、私は好きだ。彼の作品については、次回にまとめてみたい。

裸婦クロッキー・３・・・割り箸ペンと彩色

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　図20

裸婦クロッキーの３日目。

割り箸ペンで、クロッキーをしてから、それに絵の具で彩色をほどこす。私は、透明水彩絵の具をつかったが、講師の先生は、不透明水彩（ガッシュ）を使われていた。参加者の中には、数色のコンテで彩色している方もいた。モデルの雰囲気やイメージを大切にし、そのものの固有色にとらわれずに彩色した方がよいとの話であった。

前回も書いたように、私の場合は、彩色する段階で色に関心が向いてしまい、クロッキーの線を生かすことを忘れてしまった時があった。後半は、講師の先生の指摘を受けて、もう一度、線を大切に見直すようにしてみた。線と色とのバランスを量り、色彩が線の力を一層際立たせるように心がけてみたが、自分なりにできたかなというものは、上の２点だ。

クロッキーの特訓を兼ねて３日間の講座を体験したわけだが、３日目が一番良く見られるようになり、手もそれに応じて動くようになったように思う。「クロッキーの力は、音楽家の練習と同じように、毎日の積み重ねに裏付けられている」という言葉を忘れずに、これからも励んでいきたいと感じた。

裸婦クロッキーの作品は、いずれもＦ８サイズのもの。

裸婦クロッキー・２・・・割り箸ペン

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　図19

「クロッキー講座」の２日目。鉛筆に代わって、「割り箸ペン」を使ってのクロッキーをする。

割り箸ペンは、身近なところで手に入るものでよく、インクの吸い込みと持ちの良いものが使いやすいという話を聞く。竹素材などの高級なものより、蕎麦屋やコンビニ弁当についてくるようなものを、良く削って、先を細長くして使う。持ち方は、鉛筆持ちではなく、ペインティングナイフのように上から被せたような持ち方をして描く。

はじめのうちは、なかなか思うように手が動かなくて、微妙な線が引けなかった。ペン先に付けるインクの量の加減もなれないうちは、うまくコントロールできず、「溜まり」を作ってしまったり、極端に線が太くなったりした。午前中１時間あまり、この割り箸ペンに慣れるのを目標に描きつづけ、それから、絵の具で彩色した。時間は、10分間で１ポーズずつ、クロッキーを繰り返した。５分程でクロッキーをして残りの時間で彩色していくペースだ。

彩色については、クロッキーの線に当てはめていくような塗り方ではなく、線をはみ出しても良いという指示だった。色使いも固有色にとらわれることなく、モデルの雰囲気やイメージを表現していくようにということだった。私の場合、普段から、水彩絵の具でスケッチや風景画を描いていたので、色を付けることは楽しい作業だったが、これが以外にも落とし穴になった。

それは、色の表現の方が、線の表現よりもインパクトがあるために、色にこだわりすぎると「クロッキー本来の線の魅力」が削がれてしまうということだ。描いていくうちに、どうしても色の方に目が向いてしまい、気がつかないうちに塗りすぎてしまう、そういう落とし穴があった。

２日目は、まだ、それには気づかずに、10分のなかで、どうやって割り箸ペンを扱い、彩色まで仕上げるかに汲々としていた。

裸婦クロッキー・・・「とにかく線が命！」

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　図18

上野の森アートスクールの「クロッキー特別講座」に今回、はじめて参加した。講師は、画家の古山浩一さんで、３日間の講座で、計150枚のクロッキーを描くという特訓講座だ。

一日目は、鉛筆（私はコンテ鉛筆を使用）で、５分間クロッキーを午前午後の４時間、最終では、2分間のクロッキーも入り、50枚ほど描くことになった。もちろん、休憩を挟んでのことだが、集中して線を引くことを繰り返していく中で、画材の使い方、鉛筆の持ち方や力の入れ方、線の引き方などを習得していく内容だった。

古山先生は、「形を捕らえることよりも、生きた線を引くことが大事！」と、繰り返し強調されていた。どうしても、バランスや形の大小など気になってしまうところだが、先生のお話では、「形やバランスは、数多く描いていくうちに、後からついてくる」と言うことのようだ。20名弱の参加者が集まっていたが、皆、黙々と手を動かしていく。気がつくと、あっというまに５分経っていることが多く、手足や体の細部は、殆ど描けない状態だ。

「引いた線が一様にならないようにすること、その為に、体の各部の筋肉や骨にそって、線の違いを見ていくことが大事だ」という指摘を何度も受けた。また、体の前面と背面とでは、引く線に違いが出てくるように、ピシッと「決める線」とさらりと「受ける線」の違いを意識しながら描いていくということも繰り返し話をされていたように思う。

私の描いたものは、まだ、講師の先生に指摘されたような線は描けていないが、繰り返し手を動かしたうちで、自分なりに気に入った線が引けたかなと思う。

「クロッキーは、とにかく、線が命！」・・・講師の先生の言葉を反復しながら、刺激的な時間が過ごせた一日だったように思う。

風間完の絵について

　　　　　　　　 　 　　　　　 　　　　企画展パンフレットより（図17）

風間完の名前を初めて知ったのは、確か、安野光雅の『絵のまよい道』（朝日新聞社 1998年）を読んでいたときだ。安野が「作風が大好きだ」という、この画家のことが知りたくて、いろいろ探してみたのが今から５、６年前のこと。

挿絵画家として活躍していた画家の風景画に興味をもって著作や画文集など集めた。美人画もとても魅力的だが、なぜか風間完の描く「町並み」や「港や川のある風景」に魅かれてしまう。鳥の視点に立って俯瞰するような、広がりのある風景画を眺めていると、なにか自分までもその一部になったように感じてしまう。

その風間完の挿絵原画展が、信州の上田でやっているというので６月８日の日曜日に出かけてみた。風景をモチーフにしたのは数点しかなかったが、それでも原画でみる筆致は実に美しく、その絵にどんな技法が込められているのかと引き込まれるような迫力があった。髪の毛の間から地肌が白く透けて見えるようなその輝き、背景の山や林を鉛筆やコンテのぼかしで表現している奥行きのある画面、はっとするような切れ味の良いコンテの漆黒の線、など、原画でなくては味わえないようなものを目の当たりにできた。

この企画をした「池波正太郎真田太平記館」も近くにあるので、そこにも立ち寄ってみた。風間完が挿絵を描いていた関係で、親交のあった二人のようだが、ここでは挿絵原画が蔵作りのギャラリーに常設展示されている。

風間完の『エンピツ画のかすすめ』の「才能について」という一説に、次のようなところがある。

「（どんな人にも）・・・他人に無い自分だけの眼、他人には見えないが自分だけには見える、というものを何かしら持っているものなのです。絵の才能とは、つまりそれのことだと私は思うのです。・・・大切なことは、それを画面に少しずつでも定着させていくときこそ、その才能は発揮されたということができます。絵を描く人は無口でよいのです。作品をつくることが一つの表現、つまり言葉なのですから。・・・喋るより、どれだけ描けたかということしかありません。そしてたとえほんの僅かしか仕事が進まないにしても、その量で差別されることは、この世界にはないのです。」

長くなってしまったが、「絵の素材、モティーフのすべてのものに先ず友情（愛情）をもって」わたしも、「こつこつと自分の道を歩いて」いきたいものだと、思います。　　

　

　　風間完さし絵原画展　　平成20年５月29日～６月２９日　

　　長野県上田市・旧石井鶴三美術館　　午前10時～午後４時（水曜日休館）

　　主催・問い合わせ先／ 池波正太郎真田太平記館tel　０２６８－２８－７１００